El Abanico

Que sería de nosotros sin este pequeño gran objeto sencillo pero a la vez indispensable y que forma parte de nuestra cultura. A parte de considerarlo como objeto etnográfico y cultural a lo largo de toda la historia, el cual ha ido evolucionando funcionalmente y estéticamente, dejando de ser un mero objeto para aliviar el calor, sino  considerado como un objeto artístico y etnológico, siendo un complemento de moda y de comunicación. Entre las damas del siglo XVIII se decía “ Mujer sin abanico es como un hombre sin espada”. Y así era, no existía evento donde no hiciera acto de    presencia este insigne objeto, en bodas, nacimientos, comuniones, funerales, ferias…   eran de uso diario utilizados en todos los estratos de la sociedad, donde vemos las diferencias de materiales en su composición desde la madera y  el algodón o papel hasta tafetanes y metales o piedras preciosas.

En la simple estructura del Abanico se diferencian las siguientes partes:

·         La Baraja: se corresponde con la base rígida y plegable del abanico.

·         El País: sería la tela que va adherida a la baraja.

·         Las Varillas: sería las tiras de madera que hacen que se pliegue el abanico, estas podían ir caladas con la técnica de la filigrana o pintadas.

·         Las Caberas: se corresponde con la primera y última varilla, que a diferencia de las demás, son más gruesas que el resto y suelen llevar alguna dedicatoria.

·         El Calado: serían diferentes técnicas de dibujo por medio de agujeros realizados sobre las varillas, el más común es la filigrana.

        

 

Las primeras noticias que tenemos de su origen data del 3000 a.c. en Egipto, aquellos primitivos abanicos tenían una estructura fija de diferentes materiales como plumas, hojas, tejidos estaban sujetos a un mango largo de caña de bambú o madera siendo abanicos ceremoniales que  solo podían ser utilizados por el faraón y su familia. El abanico plegable de varillaje y ala de murciélago aparece en hacia el 670 d.c. en Japón  llamado “Sensu”. En España está documentado su uso durante la época islámica, convirtiéndose en unos de los principales centros productor en todas y cada una de sus variantes llegando a rivalizar con la vecina Italia quien en el siglo XV fue pionera en la fabricación  donde artistas de renombre lo utilizaban como mismísimos lienzos donde representaban temas mitológicos, Bíblicos y de la propia Historia de Roma, este modelo     llamado “La ventarola” que consistía en un elaborado abanico pintado o bordado regalo  tradicional para todas las novias venecianas.    

A mediados del siglo XVII este singular   objeto llega a la corte francesa de Versalles durante el reinado de Luis XIV y Luis  XV convirtiéndose en la época de esplendor y donde se disparan los diseños, motivos y materiales en la fabricación de los abanicos (oro ,marfil, plata, carey, piedras preciosas, tejidos como el tafetán, la seda…) , convirtiéndose   complemento indispensable tanto para hombres como para mujeres e incluso se llevó a prohibir abrirlos en presencia de la reina, ya que estaban considerados objetos de ostentación y riqueza. En el siglo XVIII, España  se convierte en uno de los principales productores del mundo, gracias a la llegada de el artesano francés Eugenio Prost, que revolucionará  y creará el gremio de abaniqueros de Madrid y posteriormente en 1802 creándose La Real Fábrica de Abanicos de Valencia donde se realizarán los famosos abanicos alfonsinos, con varillaje de nácar, hueso o madera acompañados por tejidos como el tul, el encaje o la gasa; otros también iban pintados a mano donde se representaban temas mitológicos. A partir del siglo XX  el uso del abanico pasa a ser más exclusivo, convirtiéndose en un instrumento de comunicación, para lo que se crea un propio lenguaje:

 

      ·         Abanicarse mucho: te quiero mucho.

·         Abanicarse lento: no me importas.

·         Si se deja caer: te pertenezco.

·         Si se apoya en los labios: no me fío.

·         Posar dedos sobre las varillas: quiero hablarte.

·         Taparse el sol con el abanico: eres feo.

·         Tener el abanico abierto cubriendo el rostro: nos vigilan.

·         Sostener el abanico con la mano derecha delante del rostro: sígame.

·         Sostenerlo con la mano izquierda delante del rostro: busco conocimiento.

·         Mantenerlo en la oreja izquierda: quiero que me dejes en paz.

·         Deslizar el abanico por la frente: has cambiado.

                                       

                                                                                                   

 También existieron abanicos conmemorativos para fechas importantes donde la calidad de los materiales se disparan, usando para su confección oro, plata, diamantes, brillantes, encajes… esto lo vemos en  los abanicos  nupciales, como por ejemplo el abanico que se realizó  para la boda de la Emperatriz Isabel se le diseño un abanico que constaba de 300 brillantes y 252 diamantes; Otro modelo sería el abanico para la Primera Comunión, donde vemos un cambio en el tamaño que se hace más pequeño ya que van dirigidos a niñas y suelen ir pintados a mano con motivos eucarísticos o bíblicos.

Pero también se realizaron abanicos para conmemorar un acto importante en la historia de una ciudad o un país, destacamos los abanicos realizados con motivo de la Exposición Universal de 1929 en Sevilla, donde se diseñaron abanicos con una alta calidad artística, con las varillas principales forradas en piel y con el nombre del país bordado en seda. Para la Exposición Universal de 1992 para la cual se realizaron abanicos pero en materiales muchos más pobres (plástico y algodón) donde primó el diseño al material.

Para los que estéis en Sevilla, en el Museo de Artes y Costumbres se exponen una amplia colección de abanicos donde podréis apreciar la singularidad de cada uno.

 

 

 

La Sevilla de las Capillas abiertas

Las capillas abiertas o también utilizando el término hispanoamericano de “Capillas Posas”, constituyen un hermanamiento litúrgico en las dos orillas del atlántico. Las Capillas Posas en México eran un recurso muy utilizado dentro de la iglesia con el fin de poder evangelizar cuanto mayor número de personas a la vez, para lo que se crean en el exterior de las iglesias unas capillas para que esas grandes masas de indígenas pudieran seguir la liturgia desde el atrio, así enlazaban con la tradición indígena del culto al aire libre.

capilla posa de Huejotzingo. Mejico.

En Sevilla gracias al intercambio cultural con Hispanoamérica desde el siglo XVI se van a ver reflejadas una serie de elementos similares entre las dos culturas, con lo que comienzan a verse estas capillas posas en fechas extraordinarias para celebrar grandes acontecimientos litúrgicos con el fin albergar esas masas de fieles que por motivo de espacio no podían acceder al interior del templo y para ello se crean estos altares o capillas abiertas en las fachadas de los templos, tanto estables como provisionales.

Un gran ejemplo de estos altares a extramuros de las iglesias son los levantados con la celebración del Santísimo Sacramento, fiesta de carácter anual donde todo es un ritual alrededor de la vida, la muerte, la regeneración de la vida y unido a la naturaleza y sus ciclos donde se integran las costumbres populares en la historia de la Salvación.

En Sevilla las primeras reseñas escritas de la celebración de la fiesta del Corpus Christi se remontan a mediados del siglo XVI, llegando a su esplendor en el siglo XVII  donde la ciudad se transformaba en   un altar efímero, se limpiaban y se toldaban calles y plazas, se sacraliza el espacio urbano convirtiéndose en un gran templo, con altares provisionales revestidos con ricos telares, elementos de orfebrería y figuras, se visten los balcones con mantones de manilas, colchas, tapices..., el pavimento era alfombrado con romero, se colgaban obras de arte religiosas con escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, dodnde no falta la figura del Niño Jesús entre espigas de trigo junto a racimos de uvas.

También se realizaran invenciones donde se representaran escenas teatrales con mecanismos científicos que ponían al servicio de la Fé. Todos los gastos generados eran sufragados por los dos cabildos civil y eclesiástico: exceptuando los altares que eran levantados por los diferentes gremios de artesanos o los vecinos de la ciudad.

 Blanco White describe en su libro"Cartas de España" toda la pompa y ceremonia que Sevilla celebraba en este dia: "Abría laprocesión el aguacil con la vara y ,la cabeza, marchaban los tres elementos paganos: los cabezudos, los gigantes y la tarasca, que era una especie de monstruo, de serpiente con siete cabezas que abría sus fauces ante el griterío de los chiquillos. Estos tres elementos postizos  fueron suprimidos a fines del siglo XVIII. En un segundo grupo, marchaban en la procesión todos los representantes de todas las hermandades, on sus estandartes, imágines y pasos alusivos a temas sagrados. En un tercer grupo, los representantes de las órdenes religiosas con convento en la ciudad. En un cuarto grupo desfilaban las veinticinco cruces parroquiales seguidas de la cruz de la Catedral más clérigos, provisor y otros eclesiásticos, con las reliquias y joyas catedralicias. Detrás marchaban los beneficiados de la Catedral, el arzobispo y otras autoridades junto a la Custodia. Al final, cerraban la procesión los representantes del Tribunal de la Inquisición y el Cabildo de la ciudad ( Es de suponer que toda Sevilla en ese momento estaba en la calle).

Otro lugar convertido en Capilla Posas era la Giralda, cada vez que ciudad se veía bajo alguna catástrofe como plagas, inundaciones, sequías o terremotos, por lo que la ciudadanía necesitaba del cobijo divino. Para ello, el Cabildo Catedralicio subía en procesión la reliquia del Lignun Crucis al cuerpo de campanas para desde allí realizar amansar al pueblo necesitado de fé. Don francisco de Borja Palomo relata en su Historia crítica de las riadas o grandes avenidas del Guadalquivir (Sevilla 1978), como el Cabildo y el pueblo reaccionaron ante el mal de las inundaciones sobre la ciudad de Sevilla en 1684. “Después de subir a la Giralda, levantó el preste la reliquia del santo madero en las esquinas de la Torre rindiéndole adoración ferviente desde las 4 Gradas, Plazas y azoteas de las casas numeroso pueblo, ya percibido del religioso y edificante acto que iba a verificarse en el templo Catedral para implorar la divina clemencia, por el prolongado toque de sus campanas a plegaria y rogativa”.

En esta obra de Miguel de Esquivel donde representa a las Santas Justa y Rufina sosteniendo a la Giralda y datada hacia 1615-20. Si nos fijamos en la zona inferior del lienzo podemos ver unas pinturas murales (hoy desaparecidas) de los Santos sevillanos Isidoro y Leandro y de las patronas Santas Justa Y Rufina realizadas por Luis de Vargas entre 1565-67, tales obras constituían un gran retablo callejero. Bajo el balcón  y sobre la firma del pintor vemos representado el martirio de San Hermenegildo.

Día Mundial de Teatro

Hoy día mundial del Teatro, hacemos una referencia al corral de comedias, antecedente del Teatro español, ya que antes del siglo XVII  no existían edificios exclusivamente para las representaciones teatrales. Existían los llamados “Corrales de comedias”, que consistían en unos Teatros permanentes instalado en el interior del patio de las corralas de vecinos.

  La estructura clásica de estos Teatros se dividía en 4 partes; en primer lugar, el escenario, lugar de representación de la obra., colocandose en un extremo del patio y contra la pared de la casa del fondo; en segundo lugar, el patio en sí, al descubierto y donde se colocaban los hombres del pueblo o "mosqueteros", quienes asistían de pié al espectáculo. A ambos lados existía una serie de gradas donde los hombres podían ver la representacion sentados en bancos alquilados; en tercero, los balcones y las ventanas, de las casas contiguas formaban los aposentos reservados para los nobles, ya sean mujeres o hombres; y por último,  la cazuela, lugar destinado para las mujeres de clase más baja, este sitio se encontraba en un palco frente al escenario. En el piso más alto estaban los devanes, que consistían en unos aposentos muy pequeños donde se reunía la tertulia de religiosos y una segunda cazuela.

  El escenario y las gradas laterales estaban protejidas por un tejadijjo voladizo, y un toldo que permitía cubrir con un toldo todo el patio para reservarlo de la calor o el frío.

En lo creativo, este tipo de representaciones van a ofrecer una serie de innovaciones en el mundo del Teatro:

-Mezcla de lo trágico y lo cómico: Busca reproducir la realidad, la naturalidad,  la variedad  y deleite. aparece ya en el “dramatis personae” el galán y el gracioso.

-Ruptura con las tres unidades clásicas de acción, tiempo y espacio.

-El drama se reduce a tres actos:  coincide con la estructura típica narrativa: exposición, trama y desenlace. En algunas ocasiones, se inroducen en algunas de estas partes cantos, dichos o bailes populares.

- Gran diversidad de temas a representar: religiosos, históricos, mitológicos, pastoriles, caballerescos, amorosos…sin embargo el más importante, sin lugar as dudas es el del Honor:”La honra es patrimonio del alma y el alma pertenece a Dios” (Calderón); Cuando el honor quedaba manchado por un ofensa, este debía ser lavado incluso con la sangre. Este honor no era solo patrimonio de nobleza, sino que también los villanos luchaban por mantener su honra.

 En estas representaciones los personajes se mezclan entre sí sin distición entre clases, así puede aparecer una comedia donde se mexclan un plebeyo con un noble.

Los personajes mas habituales que sueles aparecer en estas obras son:

-El rey, establece el orden en la escena e imparte justicia.

-El caballero, su papel trata de salvaguardar a toda costa su honra.

-El galán y la dama, los protagonistas de la trama, que demuestran su amor por encima de todo.

-El villano, donde el concepto de honor se abrirá a las clases populares, no sólo les va a corresponder a los nobles.

-El gracioso, es el contrapunto del galán, es el que entretiene y hace reir para rebajar la tensión entre el galán y la dama.

     

Es indiscutible que este tipo de representaciones va ligado al gran Lope de Vega y su obra " El arte de nuevo de hacer comedias" de 1609, que posteriormente dará lugar al llamado "Teatro Nacional".

En la obra de Lope de Vega, vemos unos rasgos importantes que lo convierten único en la literatura universal, destacando su extraordinario Don para la improvisación y el popularismo, que hace como nexo de conexion con el espectador; su lirismo, con el que impregna a sus personajes, sus expresiones y sus formas y tipos populares.

Calderón de la Barca se diferencia de Lope, en que es más reflexivo frente a la improvisación de Lope, el fusiona lo lírico con lo dramático, presenta una unidad de acción.

Viernes de Dolores

Los 7 Dolores de Nuestra Señora de Adriaen Isenbrant
1518-35

En este Viernes de Dolores se recuerdan los dolores sufridos por la Virgen María, desde la profecía de Simeón hasta la muerte de Jesús.

  Los 7 dolores de María:

1º. La profecía de Simeón (Lc. 2, 22-35).

2º. La persecución de Herodes y la huída a Egipto (Mt. 2, 13-15)

3º. Jesús perdido en el Templo, por tres días (Lc. 2, 41-50)

4º. María encuentra a Jesús, cargado con la Cruz (Vía Crucis, 4ª estación)

5º. La Crucifixión y Muerte de Nuestro Señor (Jn. 19, 17-30)

6º. María recibe a Jesús bajado de la Cruz (Mc. 15, 42-46)

7º. La sepultura de Jesús (Jn. 19, 38-42)

Los católicos manifestamos nuestro fervor religioso en la celebración de los Dolores de Nuestra Señora, incluyendo por ejemplo en la liturgia de la Misa la secuencia del Stabat Mater, una oración "estando la madre" al pié de la cruz de Jesús.

En algunos lugares se le denomina Viernes de Concilio, el cual es tomado como día de ayuno y abstinencia, quedando proscrito el consumo de carnes.

El Concilio Vaticano II consideró, dentro de las diversas modificaciones al calendario litúrgico, suprimir las fiestas consideradas "duplicadas", esto es, que se celebren dos veces en un mismo año; por ello la fiesta primigenia de los Dolores de Nuestra Señora el viernes antes del Domingo de Ramos fue suprimida, siendo reemplazada por la moderna fiesta de Nuestra Señora de los Dolores el 15 de Septiembre.

A pesar de ello, la Santa Sede contempla que, en los lugares donde se halle fervorosamente fecunda la devoción a los Dolores de María, este día puede celebrarse sin ningún inconveniente con todas las prerrogativas que le son propias.

Stabat Mater dolorosa

Iuxta crucem lacrimosa,

Dum pendebat filius.

Cuius animam gementem

Contristantem et dolentem

Pertransivit gladius.

Mater Dolorosa de
Rogier van der Weyden 1435

O quam tristis et afflicta

Fuit illa benedicta

Mater unigeniti

Quae maerebat et dolebat.

Et tremebat, cum videbat

Nati poenas incliti.

Quis est homo qui non fleret,

Matrem Christi si videret

In tanto supplicio?

Quis non posset contristari,

Piam matrem contemplari

Dolentem cum filio?

Pro peccatis suae gentis

Jesum vidit in tormentis

Et flagellis subditum.

Vidit suum dulcem natum

Morientem desolatum

Dum emisit spiritum.

Eja mater fons amoris,

Me sentire vim doloris

Fac ut tecum lugeam.

Fac ut ardeat cor meum

In amando Christum Deum,

Ut sibi complaceam.

Sancta mater, istud agas,

Crucifixi fige plagas

Cordi meo valide.

Tui nati vulnerati

Iam dignati pro me pati,

Poenas mecum divide!

Fac me vere tecum flere,

Crucifixo condolere,

Donec ego vixero.

Juxta crucem tecum stare

Te libenter sociare

In planctu desidero.

Virgo virginum praeclara,

Mihi jam non sis amara,

Fac me tecum plangere.

Fac ut portem Christi mortem,

Passionis eius sortem

Et plagas recolere.

Fac me plagis vulnerari,

Cruce hac inebriari

Ob amorem filii,

Inflammatus et accensus,

Per te virgo sim defensus

In die judicii.

Fac me cruce custodiri,

Morte Christi praemuniri,

Confoveri gratia.

Quando corpus morietur

Fac ut animae donetur

Paradisi gloria.

Amen.

En música clásica “Stabat Mater”se trata de una de las composiciones literarias mas representads con mas de 200 composiciones de diferentes maestros, époas, géneros, estilos. Las composiciones más representadas son las de G. B. Pergolesi y G. Rossini, pero también existen partituras importantes como las de J. Haydn, A. Vivaldi, G. Verdi...

                                     PERGOLESI - STABAT MATER - JACOBS & HENNIG

El Corral de los Olmos

Así se llamaba el edificio mudéjar, de carácter institucional y mercantil,  alquilado por el cabildo al ayuntamiento por 300 mrs que alojaba las dependencias civil y eclesiástica del Cabildo, situado en lo que hoy es la Plaza Virgen de los Reyes, el cual  en 1568, cediendo el ayuntamiento este solar al Cabildo Catedralicio  a cambio de unas casas en la calle Sierpes, derribándose en 1790, dando paso a dependencias entonces utilizadas como sala y antesala de rentas y juzgado de la Iglesia.

 Junto a este edificio se derribaron también dos arcos que unían la catedral con el Palacio Arzobispal, por donde pasaban los prelados para asistir a misa a la Seo.

 Tras el derribo e decidió abrir una hornacina en la Giralda en el lado que daría al solar donde permaneció el corral de los Olmos, la cual acogería la efigie de la Virgen de los Olmos, donde aún la podemos apreciar en la actualidad.

En un principio esta pequeña imagen permanecía resguardada tras una tela metálica e iluminada en su interior, pero con el paso del tiempo estos elementos quedaron en desuso y se optó por eliminarlos. Al igual que con la imagen original de la Virgen que tras la restauración de la Giralda en 1986, fue retirada  y restaurada y colocada en el interior de la Catedral en la Capilla de San Antonio.

La imagen que vemos actualmente en esa hornacina se trata de una copia real de la original que se encuentra bien conservada en el interior del templo catedralicio.

García Ramos en la pintura sevillana

El Museo de Bellas Artes de Sevilla acoge hasta el próximo mes de mayo una exposición temporal dedicada a José García Ramos, debido al centenario de su muerte 1852-1912).

El discurso expositivo de la muestra se divide en tres partes donde se quiere dar a conocer la labor del maestro como dibujante, ilustrador, cartelista y  pintor, reunidas en 71 obras procedentes la mayoría de los fondos del propio Museo y otras obras cedidas de otras instituciones  o de colecciones privadas que han sido cedidas para la exposición; también encontramos otras oras  que se complementan ya que son de artistas contemporáneos a García Ramos, que de algún modo lo influenciaron o que siguieron su estilo sevillano.

La exposición se divide en tres partes cronológicas de la vida y producción artística del pintor; en una primera parte donde vemos sus inicios como artista en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Sevilla y su marcha a Roma y París, para completar su formación artística. Pues bien, a través de diversos dibujos inéditos del artista que son expuestos por primera vez, podemos destacar al pintor como un espléndido dibujante y de una clara influencia por Fortuny, inspirándose en el preciosismo donde el color y la luz adquirirá una gran influencia en sus obras.

En la segunda parte de la exposición, vemos ya a un García Ramos en su etapa de plenitud artística, donde se dedica representar en sus obras la vida, las costumbres de las gentes de su ciudad natal (Sevilla), a quienes sabrá retratar como nadie y captando la luz y el colorido único en su  paleta.

Baile por bulerías, 1884

Para concluir con el discurso expositivo de la muestra, en esta y última parte se nos muestra el periodo final del pintor y los seguidores de su característico y personal forma de interpretar el costumbrismo sevillano donde sus representaciones ya no serán tan amables y agradables, tanto en la temática como en el uso de su paleta, la cual se oscurece. A este periodo pertenece su labor como cartelista anunciador de las fiestas de primavera de Sevilla.

 

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo día 05 de mayo del 2013 en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, en horario ininterrumpido de Martes a Sábado de 9,00 a 20,30 horas, y los Domingos y festivos de 9,00 a 14,30 horas. Para visitas en grupo, esta se deberá concertar previamente en www.museodebellasartesdesevilla.es.

Malvaloca, 1912

La tradición de La Mantilla

Vestirse de mantilla el jueves y el viernes santo en Sevilla, es un ritual que se pasa de madres a hijas para visitar los sagrarios, ir a los oficios o  recorrer diversas capillas de la ciudad, mostrando señal de duelo, respeto y luto por la muerte de nuestro señor Jesucristo.

El nombre de mantilla deriva de la palabra manta o mantón,  que utilizaban las señoras para resguardarse del frió, dependiendo de donde se encontrasen este tipo de atuendo era de un tejido u otro. Ya en el  siglo XVII era habitual el uso de la mantilla de encaje o de chantillí como podemos ver en algunas obras de Velázquez, quien retrata a diversas señoras con este atuendo que se mantiene actualmente. Pero no será hasta la época de Isabel II cuando se dará un  mayor uso de la mantilla (1833-1868). Las damas cortesanas y altos estratos sociales comienzan a utilizar esta prenda, como podemos ver en las obras de Goya.

Retrato de Dama con Mantilla de Francisco de Goya y Lucientes (1823-24)

      A finales del siglo XIX y principios del XX, la mantilla deja de verse de forma habitual y comienza su declive. Lo que quedó fue un pequeño pañuelo de forma triangular que se ponían las mujeres en la cabeza a modo de mantilla sin peineta, que  utilizaban las señoras para ir a  la iglesia, a la que se la conocía como "toquilla" o velo de Misa.

Hasta finales del siglo XX que comienza otra vez a utilizarse este tipo de atuendo entre las jóvenes la mañana del jueves y el viernes Santo como símbolo de respeto y duelo ante la muerte de nuestro señor.

Para vestirse de mantilla existe un protocolo a seguir: primeramente la Mantilla negra que puede ser de Blonda: es un tipo de encaje de seda, caracterizado por la utilización de grandes motivos, sobre todo florales, que se realizan en seda más brillante que el resto de la mantilla (que se suele realizar en seda mate, para hacer resaltar más los bordados). Tiene una característica muy peculiar, que son las ondulaciones de sus bordes, al que algunos autores han denominado "puntas de castañuelas" por su similitud con estas. Otro tipo de material sería de Chantilly: (tejido realizado en la localidad francesa de Chantilly), el cual se caracteriza por ser un tejido ligero y elegante y suele estar profusamente bordado por diferentes motivos florales; y por último, el Tul: el cual se caracteriza por ser un tejido transparente y fino, de seda, hilo o algodón, y es el más vulgar y económico para las mantillas, imitan las mantillas de encaje de blonda y chantilly, la mantilla tiene que ir acompañada por un Peina de Carey, normalmente se utilizan otros materiales más económicos que lo imitan.

Cuando nos vayamos a vestir de mantilla debemos tener en cuenta la altura nuestra y de nuestro acompañante, dependiendo de nuestra estatura nos decantaremos por una peina baja o alta y ajustarla al moño y cubrirla con la mantilla. El modo de cubrirla que es´ta volviendo es al estilo años 20, dejando caer la blonda por la cabeza hasta la frente, o la manera clásica, dejando la mantilla hasta la mitad de la cabeza, dejando libre el resto de la cabeza u la frente. 

Mujeres de Mantila saliendo de la Catedral de Gonzalo de Bilbao

Otro elemento indispensable, es un traje negro liso o de terciopelo, de manga francesa y por debajo de las rodillas y  sin escote. Acompañado de medias negras, bolso negro y zapato de salón negro, el uso de guantes es opcional. Debemos llevar un broche que recoja la mantilla a la altura del moño, pendientes y un rosario (señal de recogimiento y oración).

Este tipo de atuendo será representado por todo tipo de artistas a lo largo de la Historia del Arte tanto en pintura como en fotografía, sobre todo en la época costumbrista andaluza, característica del Romanticismo del siglo XIX. Donde serán numerosos pintores de la época quienes retraten la idiosincracia andaluza en su forma de ver y representar las formas de vida del pueblo andaluz muy llamativo para los jóvenes viajeros románticos procedentes de Francia e Inglaterra, que visitaban nuestras tierras como un colofon a sus estudios académicos y atraídos por el exotismo de nuestra cultura. Jóvenes como Theóphile Gautier, Washington Irving o Richard Ford.

Pintores como Gonzalo de Bilbao, Julio Romero de Torres, Jaquin Domínguez Bécquer (pintor de cámara de Isabel II), Rico Cejudo, José Jiménez Aranda, Zuloaga... que darán testimonio en sus obras de la cultura y  formas de vida de las gentes de Andalucía.